PRIMER ROMANTICISMO
Ludwing van Beethoven y la transición al romanticismo.
Nadie como Beethoven ha expresado conmovedoramente los profundos sentimientos y emociones, la alegría y las penas del corazón humano del ser humano a través de la música.
Su música es lucha interior, dolor y rebeldía como lo fue su vida. Beethoven se rebela contra las normas clásicas porque las considera un camino demasiado limitado para la expresión de sus ideas. Su música se centra no solo el drama trágico de su existencia, sino también las grandes interrogantes que afectan a la humanidad (“la llamada del destino”, el célebre comienzo de 5ªSinfonia). Su mensaje es humano y universal.
Puede decirse que la pasión, La dinámica, el contraste y los cambios impulsivos y emocionales dominan todas sus obras. De ahí los frecuentes cambios sorprendentes: después de prolongados pasajes de suspense, de repente cambia el ritmo, la dinámica, la tonalidad, etc.
La música romántica se convierte, gracias a Beethoven, en una efusión lírica del mundo interior del artista. Así, el arpegio y la célula rítmica inicial ascendente sugieren voluntad y triunfo; lo mismo, pero descendentemente, evoca fatalidad o desdicha; la inmovilización de telaes efectos sugiere calma; la nostalgia y el patetismo se refleja en tonos menores o en los momentos de gran tensión dramática (5ª sinfonía, Sonata patética, 9ª sinfonía).
Beethoven no creo formas nuevas, sino que amplio las existentes. La sonata domino la mayoría de sus obras (cuartetos, sonatas, sinfonías, conciertos,…)
Beethoven introdujo variaciones, especialmente el en su espíritu y desarrollo temático, en el que demostró ser un gran maestro: una introducción lenta al primer tiempo, un scherzo en lugar del minueto típico de tercer tiempo… En sus últimas sonatas, el número de intento tendió a reducirse a menos de cuatro. Lo contrario sucedía con los cuartetos, que fue ampliando a más de cuatro movimientos; las sinfonías, por lo contrario, se estableció en cuatreo.
En cuanto al piano creó un estilo nuevo mejorando la técnica mediante virtuosismo, contrastes, matices, etc. Se valió de los especiales efectos del uso de manos separadas y acordes llenos y pesados en el registro grave, y utilizo escalas cromáticas ascendentes.
En lo relativo a la orquesta, aun sin variar excesivamente su composición, Beethoven le dio un tratamiento diferente al de los compositores anteriores, que a su vez influyo a los posteriores. Veamos algunos de los cambios que introdujo:
- Valoraba por igual las tres familias (madrea, metal y cuerda) que hasta entonces solo había tenido colorísticos.
- Confirió al grupo de cuerdas una sonoridad más potente y plena no ahogada por los metales
- Aumento las trompas de 2 a 3 y hasta 4.
- Introdujo instrumentos como trombones y flautín.
Franz Schubert
Schubert (1797-1828) escribió casi seiscientos lieder entre 1814 y 1828. Así pues,
puede decirse que Schubert cultivó el Lied a lo largo de toda su vida, de tal
modo que la edición completa de sus lieder, ordenados cronológicamente, tiene
valor autobiográfico, desde su primer amor hasta la intuición de su propia
muerte (El Viaje de invierno, otoño de 1827).
Al principio de su carrera, Schubert buscó en los grandes
poetas un aval para su música, y sus miradas se dirigieron a Schiller y Goethe,
de quien ya en 1816 había puesto música a 44 poemas.
Los temas principales de Schubert son la naturaleza, el amor
y la muerta. En la composición del lied,
el músico confía al piano la función de crear una atmósfera: el paso, en La muerte y la doncella; el galope, en El rey de los alisos, etc. La repetición
de estos motivos a lo largo de toda la obra funciona como una especie de
encantamiento.
El viaje de invierno
LIED
La palabra lied significa canción en alemán, y consiste en
un canto para voz solista con acompañamiento, generalmente de piano. Suelen ser
piezas breves con carácter sentimental. El tema principal es el amor, la
añoranza a las personas queridas…
Este tipo de composición surgió en la época clásica
(1760-1820), floreció durante el Romanticismo y evolucionó durante el siglo XX.
Compositores como Beethoven, Schubert y Wolf han compuesto lieder basados en
genios de la poesía como Goethe y Heine. Alcanzó un alto grado de desarrollo
con el compositor austriaco Franz Schubert en 1814, aunque tuvo sus
antecedentes en Mozart y Beethoven. En la música clásica occidental se aplica
el término alemán porque los inicios y los primeros lieder fueron obras de compositores
alemanes. En Alemania se aplica el término Kunstlied o "canción arte"
para distinguir el género de la canción popular o Volkslied. El desarrollo de
la forma iba mano a mano con el redescubrimiento de la cultura popular alemana
como fuente de producción artística, como han sido las Grimms Märchen o
colecciones de cuentos (1812) de los Hermanos Grimm y la colección de poemas
Des Knaben Wunderhorn (1805-1808) de Clemens Brentano y Achim von Arnim.
Se trata de una forma musical típica de los países germánicos
y propios del Romanticismo.
Según el acompañamiento musical, existían dos tipos de lied:
·
La canción estrófica, con igual música para cada
estrofa; fue el lied usual antes del Romanticismo.
·
Y un tipo de lied en el que la música cambiaba
con cada estrofa según lo pedía la expresión del sentimiento presente en el
texto.
Dos factores que contribuyeron al éxito del lied fueron la
gran importancia que adquirió el piano en esa época y el auge de la poesía, ya
que con el lied se busca una perfecta fusión entre el texto y la música.
Esta forma vocal se desarrollará en el seno de los hogares
burgueses, donde se convertirá en el centro de las veladas musicales. La
costumbre de juntarse en una casa y de disfrutar del recitado de poemas,
interpretación de piezas musicales y otro tipo de actividades culturales se
impone en el siglo XIX.
Más adelante se cultivó también otro tipo de lied, de
carácter más sencillo, pero realmente será en el
Romanticismo cuando esta forma
quede definitivamente consagrada.
El lied, puede presentar pequeñas formas binarias o
ternarias cuyo plan básico puede verse ampliado por la repetición o adición de
secciones. Lo más común es el tipo Lied ternario: a una primera sección (A) le
sigue otra central constrastante (B), que, con frecuencia, se refiere en
algunos momentos a (A); la reexposición de la primera sección (sea literalmente
A, o con variaciones, A') cierra circularmente la forma.
Lied estrófico: A cada estrofa del poema corresponde la
misma melodía y acompañamiento. Este esquema puede ampliarse, o tomar la forma
ABA (entendiendo B como sección de contraste o bien de desarrollo).
El compositor por excelencia de este género fue Franz
Schubert, que compuso más de 600 lieder durante su corta carrera musical.
Destaca el lied: La bella molinera.
También destacaron otros compositores como Schumann, Brahms
o Hugo Wolf.
Robert Schumann:
Schumann solo se
consagró en el lieder a partir de 1840, a los 30 años. Escribió unos 250
lieder, de los cuales más de 130 corresponden a dicho año; el resto aparecen
entre 1840 y 1854.
En los lieder aislados de Schumann predomina el estrofismo;
pero, a diferencia de Schubert, Schumann lo modifica o varía según el texto.
Schumann emprendió una investigación en cuanto al
acompañamiento, que enriqueció con extensiones, desplazamientos, staccatti,
acordes y juego polifónico.
Schubert. "El Canto del Cisne"
HUGO WOLF
Hugo Filipp Jakob Wolf (13 de marzo de 1860, Windischgraz,
Imperio austríaco - 22 de febrero de 1903, Viena, Imperio austrohúngaro) fue un
compositor austriaco de origen esloveno, que vivió durante los años finales del
siglo XIX en Viena. Entusiasta seguidor de Richard Wagner, se mezcló en las
disputas existentes en Viena, por aquel entonces, entre wagnerianos y
formalistas o brahmsianos. Fue una persona muy entusiasta, pero muy
desequilibrada también.
Destacó en el género de la "canción" (lieder), en
el que publicó varias antologías de poemas agrupados por el nombre de poetas de
los que estaban tomadas:
Mörike (más de 50 lieder)
Eichendorff
Goethe
En torno a 1888, las tres cuartas partes de su catálogo eran
de canciones (más de 200). Aparte de estos tres ciclos de lieder, también
compuso lieder en torno a poemas basados en textos españoles e italianos,
traducidos al alemán:
Spanisches Liederbuch (Libro de canciones españolas)
Italienisches Liederbuch (Libro de canciones italianas)
El romanticismo tradicional estaba cansado de los temas
nórdicos, y su lugar fue ocupado por lo meridional, la parte sur de Europa.
Su ‘Das Verlassene Mägdlein’ (La Doncella Abandonada) es una
pieza muy corta, pero en ella se condensa el drama wagneriano de forma
concentrada. De ritmo troqueo, cambio de modo según el cambio anímico.
Además de lieder, compone igualmente Serenata Italiana para
orquesta de cámara (o cuarteto de cuerda), un poema sinfónico Penthesilea, una
ópera completa Der Corregidor inspirada en el mismo texto de Pedro Antonio de
Alarcón que Manuel de Falla utilizó para su ballet El sombrero de tres picos.
También en 1896 inició una ópera llamada Manuel Venegas, basada como la
anterior en un texto de Alarcón, pero tal obra quedó inconclusa debido a que
Wolf sufrió un nuevo ataque de psicosis (atribuida a los efectos de una
sífilis) que le indujo a intentar el suicidio arrojándose a las aguas de un
lago; aunque fue rescatado, se le internó en un manicomio en donde falleció.
Hugo Wolf ( 1860-1903) es uno de los compositores de
canciones más grande de su tiempo, y algunos creen que de todos los tiempos.
Wolf nace en Windischgräz, en Stiria (hoy Eslovenia) en 1860. Es a Schumann y a
Schubert a quien se ha comparado a este
romántico tardío, autor de más de trescientos lieder sobre poemas de Goethe,
Heine, Lenau, Eichendorff, Mörike. Es autor también de varias obras corales y
de una ópera frustrada, El Corregidor”, así como de un bello poema sinfónico,
Pentesilea, que raramente se interpreta en concierto.
En Hugo Wolf, no encontramos la base filosófica o estética
en que se funda Wagner. Wolf evita lo heroico y actitudes que se le parezcan.
El grito y el éxtasis de Wagner, son convertidos por Wolf en expresión de la
intimidad.
La
plenitud del Romanticismo
El momento álgido del Romanticismo llegó con
los autores Frédéric Chopin, Franz Listz, Berlioz y Felix Mendelssohn.
Chopin se dedicó exclusivamente al piano. Su
música era la traducción de su alma. Sus formas favoritas de expresión son
breves fantasías libres donde se deja llevar por sus sentimientos de ternura,
nostalgia y exasperación, dado que la mayoría de sus títulos sean baladas,
estudios, mazurcas, preludios, valses, etc.
Las combinaciones rítmicas de Chopin eran siempre
nuevas y están impregnadas de esencias y giros populares polacos que expresan
su nostalgia y su amor a la patria.
El rubato es un ligero apresurar y retardar
dentro de la frase en la parte derecha, mientras que en la izquierda se ajusta
al ritmo.
Franz Liszt empezó a los nueve años. Durante
la década de 1840, estuvo viajando mucho y se convirtió en un gran pianista.
Su producción es inmensa, compuso unas 1 300
obras, 400 originales. También compuso en orquesta y piano. Sus composiciones
mostraban combinaciones sonoras y contrastes. Liszt fue continuador de la idea
de Berloiz. Su influencia llegó hasta el Impresionismo.
Fue el principal compositor de música
pragmática después de Berloiz, pues compuso trece poemas sinfónicos.
Berloiz. La principal exposición de su obra es
el Requiem, monumental y espectacular representa la culminación de los rasgos
románticos: desarrollo del número de instrumentos, de duración y de los medios
expresivos. El Requiem fue escrito en 1837 como un encargo para homenajear a
las víctimas de la revolución de 1830.
En el pasaje Tuba mirum, se olvida de la idea
de paz y descanso característico del réquiem clásico para insistir en los
aspectos más dramáticos del texto.
Felix Mendelssohn es considerado como un
neoclásico, por la simetría, el equilibrio y la perfección formal de su música,
pero se abrió a las corrientes románticas a través del lirismo de sus frases
melódicas, el cromatismo o la adopción de programas descriptivos y atmósferas
evocadoras.
Destacan las oberturas de El sueño de una noche de verano y de La gruta de Fingal.
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